Når du står foran en sterk illustrasjon eller et maleri som gjør deg målløs, er det sjelden bare på grunn av hvor godt det er tegnet. I de fleste tilfeller kommer virkningen fra hvordan kunstneren har håndtert det. figurasjon, billedstoff og komposisjon å rette blikket ditt, sette tonen og gi mening til scenen.
Forstå hvordan det fungerer figurasjon gjennom billedlig materie Og hvordan det forholder seg til abstraksjon, ikonisitet og komposisjonsprinsipper er nøkkelen hvis du vil forbedre deg innen illustrasjon og grafisk design; hvis du skal begynne å male, Oppdag forskjellige måter å bringe kreasjonene dine til live på.
Hva er figurasjon gjennom billedlig materie?
Innenfor kunstteknikker refererer figurasjon gjennom billedlig materie til hvordan du bruker selve materialet i maleriet eller det grafiske mediet (penselstrøk, teksturer, flekker, kanter, lag, gester osv.) for å konstruere eller antyde gjenkjennelige former. Det handler ikke bare om å «male et objekt», men om å bestemme hvor mye figurativ informasjon du gir og hvor mye du overlater til abstraksjon og betrakterens tolkning.
I praksis betyr dette at du kan blande forskjellige ting i samme stykke. svært beskrivende og realistiske områder med nesten abstrakte områder der det billedlige stoffet hersker: fargeflekker, gestuelle linjer, forenklede plan eller overflater behandlet uttrykksfullt. Denne spenningen mellom det som er tydelig gjenkjennelig og det som antydes genererer stor visuell rikdom og åpner budskapet for ulike tolkninger.
Det er viktig å huske på at den endelige betydningen ikke utelukkende kontrolleres av kunstneren: det er betrakteren som til syvende og sist bestemmer den. bygge budskapet basert på deres erfaringerEt svært figurativt bilde kan være konseptuelt tvetydig, og en svært abstrakt komposisjon kan kommunisere ganske presist hvis den er godt planlagt.
Når vi snakker om figurasjon gjennom billedlig materie, beveger vi oss derfor på en akse der form kan variere fra trofast og hyperrealistisk representasjon inntil nesten total abstraksjonsom går gjennom flere mellomliggende grader (stilisering, geometrisering, syntese, osv.). Trikset er å velge nøyaktig det punktet på den aksen som best tjener det du ønsker å formidle.
Figurasjon, abstraksjon og budskapsintensjon
For å arbeide med sunn dømmekraft er det nyttig å anta – om enn bare som en forenkling – at Figurativt språk tenderer mot mer konkrete budskap og Abstraksjon tenderer mot mer åpne eller tvetydige budskapDet er ikke en universell lov, men den hjelper deg med å bestemme hva slags former du skal bruke basert på klarhetsnivået eller forslaget du leter etter.
I en svært nøyaktig representasjon (for eksempel hyperrealistisk fotografi eller maleri) støttet av en klar tekst eller språklig kontekstBudskapet tvinges mot maksimal konkretisering: det du ser er mer eller mindre det som er der. Når du derimot reduserer graden av ikonisitet – ved å forenkle former, leke med billedmaterialet eller eliminere tekst – åpner meningen seg, og betrakteren får rom for tolkning.
Vi kan heve noen typiske kombinasjoner mellom figurasjon, abstraksjon og skriftspråk som fungerer som et mentalt kart ved design:
- Nøyaktig figurasjon + spesifikk tekstDirekte, svært kontrollerte budskap. Ideelt for plakater, infografikk og lederartikler der du vil unngå tvetydighet.
- Stilisert figurasjon + konkret tekstTeksten lukker meningen, men bildet gir et lite tolkningsmargin takket være det billedlige stoffet og den formelle deformasjonen.
- Stilisert figurasjon + abstrakt tekst eller ingen tekst: a begynner å dukke opp attraktiv tvetydighet, der formene refererer til gjenkjennelige objekter, men ikke fikserer dem fullstendig.
- Minimal eller nesten falsk figurasjonReferansene til den virkelige verden er så svake eller forvrengte at betrakteren projiserer mye av seg selv over på lesningen.
- Ingen figurativ + konkret tekstBildet er abstrakt, men teksten forankrer det. Nyttig i konseptuell grafisk design, plakater eller merkevarebygging med høyt symbolsk innhold.
- Ingen figurasjon uten tekstdu kommer inn i riket til ren abstraksjonhvor det billedlige materialet, fargen og komposisjonen er alt.
Det interessante er å forstå at du ikke er forpliktet til å bli på ett sted: du kan kombinere områder svært tydelige figurative elementer med helt abstrakte områder, eller lek med bokstavelig tekst og tekst brukt nesten som en grafisk tekstur, avhengig av prosjektet.
Ikoniskhet: fra hyperrealisme til ren abstraksjon
For å ordne disse gradene av figurasjon og abstraksjon, den såkalte skalaer av ikoniskhetDisse klassifiseringene kategoriserer bilder etter deres likhet med virkeligheten de representerer. Jo høyere ikonisitet, desto tydeligere er forholdet til referansen; jo lavere ikonisitet, desto mer abstrakt er tegnet.
Forfattere som Abraham Moles og Justo Villafañe foreslo svært detaljerte skalaer, med 11 eller 12 nivåer, alt fra et naturalistisk bilde til nonfigurativ representasjon. Dette er spesielt nyttig i grafisk design, der presise beslutninger er avgjørende. hvor mye likhet vil du opprettholde med det representerte objektet.
I den ene enden har vi hyperrealismesom til og med overgår naturlig persepsjon (overdrevne detaljer, teksturer presset til grensen). Så ville man komme realistisk representasjon, tradisjonell maling trofast mot motivet, og litt etter litt ville man senke nivået av ikonisitet gjennom stilisering, geometrisering og syntese.
På de laveste nivåene vises piktogrammer, motiverte skjemaer (som kart eller diagrammer), og til slutt fullstendig ikke-figurativ representasjonder det ikke lenger er et tydelig spor av det opprinnelige objektet, og det som råder er former, rytmer, farger og tekstur.
Serien av Picassos okse Det er en klassisk måte å forstå det på: det starter med en volumetrisk, muskuløs okse, og litografi for litografi fjerner detaljer helt til det kommer frem til et ideogram laget nesten med én linje. Hvert trinn reduserer det figurative materialet og øker det abstrakte elementet, men man gjenkjenner fortsatt «okse» i mye av prosessen takket være manipuleringen av formen.
Abstraksjon: grader og rolle i illustrasjon og design
Abstraksjon, i vid forstand, består av Skill det essensielle fra det tilbehøretInnen kunst og illustrasjon oversettes det til å representere ideer, følelser eller konsepter uten en bokstavelig beskrivelse av den synlige verden. Innen design lar abstraksjon deg destillere et komplekst objekt til et enkelt og kraftfullt ikon.
Vi kan snakke om forskjellige nivåer av abstraksjon avhengig av hvor langt man beveger seg bort fra håndgripelig materie og gjenkjennelig form. Fra en mer formell abstraksjon, som fortsatt beholder objektets fysiske trekk, til en radikalt konseptuell abstraksjon, nær det metafysiske eller filosofiske.
Innen anvendt illustrasjon og grafisk design jobber man sjelden med «ren» abstraksjon, fordi hovedmålet er kommunisere tydeligÅ introdusere kontrollerte doser av abstraksjon – gjennom det billedlige materialet, formell syntese eller den uttrykksfulle bruken av farger – hjelper deg imidlertid med å gi bildene dine lag med mening og en mye rikere atmosfære.
Visuelt sett er abstraksjon ofte avhengig av forenklede geometriske formerEkstrem reduksjon av detaljer, bevisst forstyrrelse av proporsjoner, bruk av flate eller svært symbolske farger og teksturer som blir hovedfokus. Alt dette, kombinert med figurative elementer, kan generere illustrasjoner og designstykker med en svært sterk identitet.
Figurasjon i illustrasjon: fortelling, stil og objektivitet
Illustrasjon er per definisjon et visuelt språk rettet mot fortelle noe spesifiktEn historie, en idé, et konsept, en informasjon. I motsetning til ren kontemplativ kunst har illustrasjon en markant kommunikativ funksjon, selv om dette ikke utelukker lek med tvetydighet og det poetiske hvis oppdraget tillater det.
I dag finnes illustrasjoner overalt: bøker, aviser, tegneserier, reklame, emballasje, videospill, digitale grensesnitt, sosiale medier ... I de fleste av disse sammenhengene jobber du i en todimensjonalt miljø der du må bestemme hvor mye realisme du ønsker, hvilken type billedmateriale du vil bruke (tradisjonelt, digitalt, blandet teknikk) og hvilken grad av ikonisitet som er mest passende for publikummet du henvender deg til.
Et sentralt trekk ved illustrasjon er visuell fortellingDu trenger ikke alltid ord for at leseren skal forstå hva som skjer. Du kan stole på komposisjon, fargebruk, karakterenes kroppsspråk, forholdet mellom positivt og negativt rom, eller kontrasten mellom figurative og abstrakte områder for å veilede lesingen.
Hver illustratør bygger til slutt en egen stilDette er ikke noe mer enn en personlig måte å bestemme seg på: hva man skal forenkle, hva man skal overdrive, hva man skal utelate, hva slags billedmateriale man skal velge, og hvilket forhold man skal etablere mellom figurasjon og abstraksjon. Denne stilen blir ditt kjennetegn og er det som gjør arbeidet ditt gjenkjennelig blant så mye visuelt innhold.
De fem viktigste tekniske søylene innen illustrasjon
For å kunne jobbe fritt med figurasjon og abstraksjon trenger du et solid grunnlag innen flere tekniske områder. Utover inspirasjon er illustrasjon avhengig av en rekke søyler som bør mestres Hvis du vil ha reell kontroll over bildene dine og vite grunnleggende materialer for å komme i gang.
Tegning, farge, komposisjon, teknikker og personlig stil De er sammenflettet, og alle påvirker hvordan du håndterer billedmaterialet. De er kort oppdelt nedenfor, med fokus på hvordan de forholder seg til figurasjon.
Tegning og konstruksjon av skjemaet
Tegning er fortsatt det grunnleggende verktøyet: uten et minimumsnivå av tegneferdigheter er det veldig vanskelig å oppnå en overbevisende figurasjonUansett hvor uttrykksfulle penselstrøkene dine måtte være, omfatter tegning proporsjoner, anatomi, perspektiv, volum og evnen til å syntetisere.
Å lære å observere og deretter oversette det du ser til enkle former – blokker, sylindere, kuler, plan – er det som lar deg senere å forvrenge, stilisere eller abstrahere meningsfulltForfattere som Cézanne jobbet allerede på denne måten, og tolket objekter gjennom grunnleggende heldekkende stoffer for å bygge solide og troverdige figurer.
Farge- og kromatisk teori anvendt på figurasjon
Farge er ikke bare til for å «dekorere» en figur: det er et kraftig verktøy for generere volum, dybde, emosjonell atmosfære og visuelt hierarkiPå et figurativt nivå hjelper det deg med å skille plan, markere fokus og styre betrakterens blikk.
Å forstå fargehjulet, fargeharmonier og fargepsykologi lar deg bestemme når du trenger en Naturalistisk farge og når du har råd til friheter mer abstrakt. Et grønt ansikt eller en oransje himmel kan fortsatt være figurative hvis strukturen er godt konstruert, men de legger til et konseptuelt og emosjonelt lag som går utover ren representasjon.
Visuell komposisjon og billedrom
Komposisjon er den bevisste planleggingen av hvordan Du fordeler elementene innenfor det billedlige rommetDet er ikke noe som er overlatt til tilfeldighetene: det påvirker direkte hvordan betrakteren navigerer i bildet, hva de ser først, hva de ignorerer og hva de tolker som viktig.
Velg et format (vertikalt, horisontalt, firkantet, panorama) Dette er allerede en første komposisjonsbeslutning. Rektangelet er vanligvis fleksibelt og lett å balansere, mens et firkantet eller sirkulært format kan generere forskjellige spenninger og tvinge deg til å løse balansen på en annen måte.
Innenfor rammen er rommet delt mellom positiv plass (skjemaene som «fylles ut») og negativ plass (hulrommene som omgir dem). Å leke med dette forholdet er nøkkelen til både klar figurasjon og interessant abstraksjon. En gjenkjennelig silhuett kan bli mye kraftigere hvis du skjærer den ut mot en ren, veldesignet bakgrunn.
Teknikker, materialer og billedlig materiale
Konseptet med billedlig materie blir veldig bokstavelig når man jobber med akvarell, olje, akryl, blekk, gouache eller blyanter, og til og med teknikker som røykingTykkelsen på penselstrøket, gjennomsiktigheten til en glasur og teksturen til papiret eller lerretet påvirker direkte hvordan vi oppfatter figuren og hvor mye detaljer vi ønsker å antyde.
I den digitale verden (Photoshop, Illustrator, Procreate, osv.) finnes det også malerisk materiale: pensler som imiterer olje eller akvarell, skannede teksturer, korn, overlegg… Å avgjøre om en figur skal løses opp med rene kanter og flat farge eller med revne kanter, flekker og sprut sier mye om graden av figurasjon du ønsker å håndtere.
Stil og visuell identitet
Stilen din er syntesen av alle disse avgjørelsene: hvor mye du forenkler, hvilken type linje du bruker, hvilken palett du gjentar, hvilke teksturer du liker, Hvordan håndterer du hender, ansikter, bakgrunner og folder?osv. Det er i hovedsak din vanlige måte å plassere figurasjon og abstraksjon i hvert bilde.
Å finne den stilen tar tid, prøving og feiling, analyse av påvirkninger og mye tegning. Men når den først er etablert, blir den filter som du mer eller mindre ubevisst anvender på ethvert oppdrag: du vet på hvilke områder du er mer tro mot virkeligheten og på hvilke du lar det billedlige materien ta kontroll.
Grunnleggende elementer i komposisjon til tjeneste for figurasjon
Kilde: Industripodcast
For at figurasjon skal fungere innenfor det billedlige rommet, må du arrangere elementene dine i henhold til visse regler. Dette er ikke rigide formler, men snarere ... prinsipper som er verdt å mestre før de knuste dem med vilje.
Blant de grunnleggende elementene er linje, form og verdi (chiaroscuro)Tekstur og rom. Disse kombineres med designprinsipper som balanse, proporsjoner, rytme, bevegelse, vektlegging, harmoni, enhet og variasjon.
For eksempel kan linjen fungere som en figurativ omriss eller som abstrakt gestuell strek som retter blikket. Formene kan være geometriske (kaldere og mer ordnede) eller organiske (nærmere naturen), og avhengig av det vil figurasjonen din virke mer rasjonell eller mer emosjonell.
Verdi (området fra lys til mørk) er avgjørende for å «modellere» figuren og få den til å virke tredimensjonal på en flat overflate. Nøye håndtering av kontrast kan generere veldig tydelige fokuspunkter, selv om detaljene i det billedlige materialet er ganske frie.
Designprinsipper: balanse, rytme, vektlegging og enhet
Designprinsipper er reglene som styrer hvordan elementer forholder seg til hverandre i en komposisjon. Du kan tenke på dem som «fysiske lover» av det visuelle universet der figurasjonen din befinner seg.
El balansere Det har å gjøre med fordelingen av visuell vekt. Hvert objekt, hver flekk eller hver fargeblokk har vekt. Du kan skape en symmetrisk (mer statisk, stabil) eller asymmetrisk (mer dynamisk) balanse ved å leke med størrelse, farge, metning, posisjon eller tekstur.
El Movimiento og Ritmo De forholder seg til hvordan betrakterens øye beveger seg over illustrasjonen. Gjentakelser av former, sekvenser av lys og skygge, diagonaler, kurver og overlappinger bidrar til å generere leseflyt. En god figur er ikke bare gjenkjennelig, den er også plassert på en slik måte at inviterer deg til å utforske bildet.
El vekt Det lar deg tydelig definere ett eller flere fokuspunkter. Vi kan skape dem gjennom kontrast i verdi, farge, størrelse, isolasjon (et enkelt element i et klart område), konvergens av linjer som peker mot det punktet, eller gjennom det uvanlige (noe som bryter et etablert mønster).
Endelig, harmoni, enhet og variasjon De regulerer hvor mye du gjentar og hvor mye du endrer elementer innenfor samme bilde. For mye harmoni uten variasjon er kjedelig; for mye variasjon uten enhet skaper kaos. Figurative elementer kan tjene som et samlende element – ​​for eksempel ved å gjenta en type ansikt eller silhuett – mens variasjoner i farge, tekstur eller komposisjon gir livlighet.
Nyttige regler: tredjedelsregelen, diagonaler, gyllen trekant og forenkling
I tillegg til de generelle prinsippene finnes det en rekke komposisjonselementer. praktiske ressurser mye brukt av kunstnere, illustratører, fotografer og designere for å organisere rom effektivt og behagelig.
La regel om tredjedeler Denne teknikken innebærer å dele bildet inn i et 3 x 3-rutenett og plassere de viktigste områdene av motivet nær linjene eller i skjæringspunktene. Dette skaper en balansert spenning: motivet er verken helt sentrert eller forsvunnet i den ene kanten.
Andre ressurser, som for eksempel oddsregelenDe antyder at grupper på tre, fem eller sju elementer er visuelt mer interessante enn par fordi de skaper asymmetri og dermed bevegelse. Dette kan brukes på karakterer, gjentatte objekter eller fargeflekker.
Samtalen rommets styre Dette refererer til å etterlate plass i den retningen en karakter beveger seg eller ser. Dette negative rommet antyder bevegelse, tanke eller forventning. Her kan billedmaterialet være minimalt (en nesten flat bakgrunn) uten at bildet mister sin slagkraft.
El gyllen trekant Og andre geometriske konstruksjoner (som den gylne spiralen) tjener til å organisere indre diagonaler som styrer øyet og plasserer figurene i områder med høy visuell spenning. De er ikke obligatoriske, men når du bruker dem dyktig, får bildene dine dybde og dynamikk.
Endelig forenkling Det er en essensiell teknikk: å eliminere unødvendige detaljer, rydde opp i bakgrunner, redusere visuell støy og reservere maksimal mengde informasjon til nøkkelpunkter. I forholdet mellom figurasjon og maling betyr dette å bestemme hvilke deler av maleriet som skal være svært detaljerte og hvilke som kan stå antydede, nesten abstrakte.
Ikoniskhet og grafisk design: når figurasjon kommuniserer
I grafisk design er ikonisitet ikke et teoretisk innfall: det er verktøyet du bruker til å definere graden av klarhet og universalitet av dine visuelle budskap. En plakat for et sykehus, for eksempel, kan ikke være kryptisk: du trenger piktogrammer og svært ikoniske figurer som alle kan forstå med et øyeblikk.
Baderomsikoner, trafikkskilt og handlingssymboler i grensesnitt (forstørrelsesglass for søk, hus for «hjem», søppelbøtte for sletting) er eksempler på ekstremt syntetisert figurasjon som opererer på mellomliggende nivåer av ikonisitet: de er ikke realistiske, men de beholder akkurat nok til å være umiddelbare.
Abstraksjon kommer inn i bildet når du er interessert i å bygge en eget visuelt språkFor eksempel innen merkevarebygging: logoer redusert til geometriske former, symbolsystemer, grafiske ressurser som blir ikoniske når de gjentas. Men selv der, hvis målet ditt er at det skal forstås, må du være forsiktig så du ikke avviker for langt fra referansen eller konseptet du ønsker å assosiere med det merket.
I motsetning til billedkunstneren tillater grafisk designer vanligvis ikke total abstraksjon i kommersielle prosjekter, fordi deres oppgave ikke så mye er å provosere frem åpne refleksjoner som å formidle et bestemt budskap til et bestemt publikumDet hindrer meg ikke i å involvere meg i personlige prosjekter eller ta abstrakte ressurser til høyere nivåer av ikonisitet for å integrere dem som funksjonell design.
I både illustrasjon og grafisk design er representasjon av billedlig materiale en kontinuerlig spill av beslutningerHvor mye å vise, hvor mye å antyde, hvor mye virkelighet å beholde og hvor mye å la oppløses i farge, tekstur og gest. Når du forstår hvordan ikoniskhet, abstraksjon og prinsippene for komposisjon artikuleres, begynner du å å virkelig kontrollere hva bildene dine sier og hvordan de sier det, i stedet for å overlate det til tilfeldighetene.